孙燕姿为什么被叫冷门歌手 老牌歌手为什么不火了

前几天有一条叫#冷门歌手孙燕姿#的热搜火了。

后来经过网友们的火眼金睛侦查，发现这是一个钓鱼+营销号

这件事顿时引起了吃瓜群众们的热烈讨论。就连孙燕姿老师本人，都回应调侃自己是“冷门歌手”（好可爱）：

还有其他疑似的同类贴子，也是引得网友们哭笑不得：

但#冷门歌手孙燕姿#这个话题，其实也从侧面反映了一个现象：

尽管孙燕姿他们这些老牌歌手，至今仍是华语乐坛的中流砥柱，但曾经那个风云际会的华语乐坛，也许的确随着这些歌手，一起老去了。而且很可能很久都不会再出现，当年那种繁荣的景象了。

在这个话题底下，网友们也是展开了热烈的讨论。有的回忆当年的经典之作，也有的推荐了近几年的优质作品。

那么我们今天，就来聊一聊，孙燕姿这位冷门歌手，在华语乐坛究竟有着怎样的位置；她的作品又是什么分量；为什么现在的歌手和当年的歌手，存在着巨大的断层。

一、孙燕姿的经历和作品

早期经历

孙燕姿是一名新加坡歌手，因为是家中次女，取名为“姿”。

大学时，孙燕姿报名了李伟菘音乐学校，在学习过程中，遇到了一生的伯乐、贵人，即李伟菘、李偲菘兄弟——一对在华语流行音乐中，拥有举足轻重地位的金牌制作人。他们为孙燕姿打造了大量的优质作品（下文会讲）。

在校期间，华纳音乐制作团队到访李伟菘音乐学校，孙燕姿凭借自身的综合实力，获得了华纳团队的关注。在2000年，完成大学学业后，正式与其签约。

出道初期

在出道初期的时候，孙燕姿可说是歌手界的劳模。

在那个年代，歌手发唱片的频率，一般是一年一张。但是孙燕姿在前3年内，做到了半年一张唱片的发行频率。

一般来讲，一个素人出道，在市场前景未知的情况下，不容易享受到这么多的资源。

但是孙燕姿在出道初期，就能以这种势头发行作品，可以看出来，当时的华纳，是看出了她身上蕴藏的巨大潜力，将她作为重点对象培养的。

从市场的反馈来看，华纳的眼光的确是很毒的。

好的开始是成功的一半。2001年的第12届金曲奖上，孙燕姿凭借《孙燕姿同名专辑》入围，并战胜了周杰伦、戴佩妮、范玮琪，获得了最佳新人奖。

如果说那个年代，男歌手的领头羊是周杰伦，女歌手大概就是孙燕姿了。

而孙燕姿享受的资源不仅多，并且优质。这其中，离不开李伟菘、李偲菘这一对金牌制作人兄弟的鼎力加持。

李伟菘、李偲菘兄弟，从孙燕姿出道到现在，一直是她的良师，更是贵人。这两位兄弟，本身都是创作能力出众的幕后英雄，多年来为孙燕姿输送了大量的优质作品。

简单来说一下李伟菘、李偲菘兄弟的创作特点吧。

他们二位作出的曲，最大的亮点是能够把流行歌曲的流行度和生命力兼顾起来，做到不错的平衡。

他们两位作出的比较经典的曲子，如：《一千个伤心的理由》、《我等到花儿也谢了》、《想你的365天》、《胆小鬼》、《王妃》、《柠檬草的味道》、《听说爱情回来过》、《那女孩对我说》……等等，时间跨度其实很大，但曲子很少会有那种特别老旧的年代感。即使放在今天听，依然不会过时。

这些作品在当年，凭借着自身抓耳的旋律得以流传。直至今天，也依然在传唱、翻红，有着很强的生命力。

而他们为孙燕姿，更是量身打造出了许多的经典。从孙燕姿的第一张同名专辑，到最新的《跳舞的梵谷》，一直伴随着两位兄弟创作者的身影。

大家可以发现，孙燕姿有相当多的经典作品，都是出自李氏兄弟这两位幕后创作者之手。

近年来的优作

也许是近10年来，孙燕姿发行的专辑只有3张，确实少了一点（跟出道1年多发行3张专辑相对比更甚），再加上孙燕姿已经结婚生子，把更多的精力放在家庭生活上，淡出了大众视野，就连很多我们这种从小听着孙燕姿长大的人，对她的了解都越来越少，更不要提一些年轻的小朋友了。

但是，作为老牌天后，孙燕姿依然还是有不少好作品的。

11年的专辑《是时候》中，《当冬夜渐暖》、《明天的记忆》、《愚人的国度》都是不错的作品；

18年的单曲《半句再见》，可能是近些年孙燕姿旋律质量最高的歌，李偲菘老师再一次贡献了高质量的作曲。这首歌我认为是不输给她早期的《同类》、《开始懂了》等经典作品的后期旋律扛把子；

最新的专辑《跳舞的梵谷》，争议比较大。有的人觉得孙燕姿在这张专辑里做出了很多新的尝试，也有人觉得这张专辑的很多歌旋律写得太怪异，不抓耳，听起来很奇怪。

《风衣》作为开场曲，是比较传统的旋律走向，也是孙燕姿一贯必有的作品；其他的作品可能需要适应一下，特别是同名歌曲，这个旋律谱写方式比较另类，喜欢的可能会觉得比较新颖，不喜欢的应该也会无感。

孙燕姿的创作能力

最后简单说一下，孙燕姿的创作能力。

孙燕姿作为歌手，其实也一直在尝试着自己创作。从第一张专辑开始，她一般都会在专辑里尝试自己进行词曲创作。

而且，她不仅仅是“在专辑里作为彩蛋，放一两首自己创作的歌”，而是这些歌都有自己的构思在里面。

比较经典的作品，像首专的《很好》；《风筝》专辑中的《任性》；《Stefanie》专辑中的《听见》；《完美的一天》专辑里的《明天晴天》；

作词上有和林俊杰合作的《她说》。

这些歌曲可能不像她那些经典作品，那么一下子就抓人，但是有很多她自己构思的小细节，你可以明显感到：这不是那种跟着和弦套旋律的作品（这个音乐底蕴比现在很多所谓的创作型歌手都强），很多旋律走向很特别，也有自己的个人特点。

二、现在的乐坛新星，和当年歌手们的巨大断层

借着孙燕姿被营销#冷门歌手#这个现象，也说一下新生代歌手和老牌歌手的巨大断层的问题。

尽管#冷门歌手孙燕姿#这是一个钓鱼+营销的话题，但是有一点是可以确定的：现在的年轻人，特别是孩子，对老一代歌手的关注，是越来越少了。给他们说孙燕姿、蔡依林、梁静茹、萧亚轩……说不准他们真的不知道她们是谁。这个现象其实挺正常的，毕竟一代人一代偶像。

但有一点很奇怪：在我们小时候那个年代，即使罗大佑、李宗盛、周华健，哪怕是童安格、潘美辰、邰正宵、齐豫、苏芮等人，这些歌手已相对不再活跃，关注度不比当时的当红歌手，可他们的作品依然经久不衰，流传到我们那个年代，依然很受欢迎。

可现在每年有那么多的歌手，榜单也是经常更新，歌曲也是首首999+的评论、收藏，但怎么就感觉这些歌手到歌名，一首都没听过。点开听听，好像也没什么特别之处，甚至质量不高。除了自己家粉丝，外人根本不会关注，歌曲也流传不起来，没几天可能就被另一首歌曲取代了。

而当年的那些作品，放到今天再听，无论是作品的词曲本身，还是制作水准，依然有着很高的质量。

为什么这个年代的歌手，以及歌手的作品，都和十几年前的歌手、作品，产生了巨大的断层？

营销手段的转变

在过去网络还不发达的时候，歌手发唱片，一般从10首歌中，选出1~3首质量较高的，作为主打歌，在电台首播。

主打歌一般是由唱片公司，根据对市场以及作品的判断，精挑细选出来的，最具有流传潜力的作品。如果不出大的意外，这首歌一般就是那位歌手当年最火的歌，有些特别出类拔萃的作品，得以流传至今，成为脍炙人口的经典。

包括在现在，很多歌手发片发歌，依然是在沿用这种方式。

但这种宣传手段是有弊端的。那个时候没有网络，人们听到一首好听的歌，想反复听，就只能买唱片。

作为唱片公司，当然是要考虑商业利益最大化。传统唱片配置10首歌，有了1首好听的主打歌，听众就会愿意为这张唱片付钱。

听众花100元，为了1首特别好听的歌，买一张10首歌的唱片，那么其余9首歌，是放上9首同样高质量的作品更合适？还是放9首一般作品，更合适？

答案当然是后者。

好歌手常有，好歌不常有。唱片公司有另外9首好作品，再做9张唱片，细水长流地赚钱不香吗？

这也造成了，我们今天回过头去看当年的很多唱片，很多都是1首好歌+9首普通作品的搭配。

有两首不错的歌的唱片，听众算捡到宝了；

有3首，那这家唱片公司太有诚意了；

再多……那是周王林陶、戴佩妮、小刚、小柯、郑钧、朴树……所以他们这几位，至今仍是华语流行乐坛的擎天之柱。当然这几位大佬的情况不适用于一般人，人家巅峰期就是能写，写多少有多少。

随着这几年网络的普及，歌手在网络上以数字专辑的形式，发行EP或者单曲，其实是从传统的“买唱片”，或者干脆说“为了几首歌买一张10首歌的唱片”转变成了“买1首听1首”。

仅就这个营销思路的转变来说，其实未尝不好。它的初衷其实是希望在一定程度上，减少传统唱片的拿歌凑数行为。

另一方面，把1张专辑拆成10首单曲发，也可以使听众关注到，除了主打歌以外的其他好歌。

这也使听众获取歌曲的渠道发生了改变。

过去我们通过电视、报纸、广播、马路边商店的播放，等等渠道来获取歌曲；现在更多的人，特别是年轻的小朋友，是通过网络app来获取歌曲。

为了验证这件事，我特意问了一下身边当老师的朋友。他们几乎都提到一个点：班上学生是通过抖音、快手等小视频app来获取歌曲的。

消费群体认知的转变

网络的发达，使信息的普及也变得异常迅速。

过去我们为支持自己喜欢的歌手，用自己攒下来的钱，买实体唱片，买海报；现在的小孩直接点开手机，就可以为自己喜欢的歌手打榜、投票、买周边、刷数据。

这种支持歌手的方式，可以说是发生了根本的变化。

之前，有某流量明星的粉丝发出灵魂拷问：周杰伦真的很火吗？他连微博都没有，在微博的数据，更是查无此人。

还有前段时间，另一位流量歌手的粉丝，发问：周传雄是谁？他真的火过吗？并不是他们真的无知，而是因为他们没经历过那个年代，不知道我们当年支持歌手的方式。在他们心里，这种做数据+打榜+买周边的追星手段，已经是根深蒂固了。

也是一位当老师的朋友总结的，用金钱+时间成本，来支持喜欢的歌手，我觉得很到位。

他们觉得，一个明星在微博有着漂亮的数据，在音乐平台刷出几千万的播放量，就代表着他可以一统江湖。

没有这些，你说再多也没有用，他们不认。

我们当年的买CD，买海报的行为，在他们眼里已经“过时”；而他们热衷的打投、刷买唱片，我们也觉得比较幼稚。这两种行为和心态的不兼容，再加上歌手本人也有着不小的差距、差异，看上去就像是两个圈子，两个世界的人。

3、歌手自身的实力水平

最后，来讲讲歌手本身的问题。

本质上来讲，歌手以及作品，也是一种商品。他们卖的，是自己的作品，以及对作品的诠释。

你歌好听，唱得好；我作为听众，我愿意花钱。这是一个良性的市场。

但是现在，因为种种原因，很多不具备歌手素质的艺人，以及作品，也有了极大的市场。

根本原因，还是我刚才说到的那个问题：歌手，以及作品，本质上还是商品。他们的目的是赚钱。

所不同的是，我们那个时候，歌手赚钱，卖的是作品、演唱；而现在的很多所谓歌手赚钱，卖的是脸、人设。这叫本末倒置。

这就形成了一个恶性市场。

我们那时候连手机都没有，有也是那种翻盖机，别说网络，玩个贪吃蛇都费劲；现在不一样，小孩子下课拿着手机就打王者开5黑了。网络这么发达，他们获取资讯、信息的渠道，方便、快捷了太多。

这些还在学校的小孩，另外两个特点是：不知道什么叫包装，爱跟风。

在这种条件下，娱乐公司造出几个，有符合小孩预期的人设，颜值出众的明星，实在不要太容易。

其实包装造星这种事一直都有。在我小时候，我也有喜欢的“流量明星”。他会唱、跳、rap、篮球。

一看这几个标签，大家都知道他是谁了吧？没错，他就是……

潘玮柏。

但那个时候，市场还是良性的，即使是包装，自身条件也得过硬。

而现在，这些在校学生，随时随地拿出手机就能支持自家爱豆，来钱来得那么快，娱乐公司还会让这些包装出来的流量艺人去打磨自身的唱功吗？

唱功没有了，创作也是一言难尽。

大家总说，现在好听的歌越来越少。偶尔有些好作品，还是出自当年那些人之手。

其实，有潜力的年轻创作者有很多，但他们没有那么广阔的渠道，让大众注意到他们。

而这些批量制造低质流量歌曲的创作者，恕我更愿将他们称作：音乐行业的投机者。

既然这首歌XXX唱了就有人买单，那如果你是创作者，你是更愿意花时间，打磨一首好作品呢？还是写首歌，赚了钱即可呢？

最后，欢迎大家一起来思考一个问题：

有一次我在听《北京欢迎你》的时候，我曾想：如果将来再有一天，我们再举办奥运会，或是什么其他盛事，请群星来演唱歌曲，新生代的歌手能占到多大比重？哪些人有这个资格？